2023澳门资料大全免费.

　　每到3月，女性艺术家便会成为一个重要的议题，尽管女性艺术家作为一个庞大的群体一直在创作艺术，并在作品中展示了她们对世界独特的理解与才华，然而她们的贡献却往往被忽视或遗忘女性艺术家为艺术带来了不同的视角，她们的笔下有很多男性通常不会关注的日常：比如家庭、母性和女性间的友谊，这些作品同时也激励了其他女性，让人们从不同的视角理解这个世界，挑战了传统的性别角色和外界的刻板印象。

　　艺术史上不乏优秀的女性艺术家的光芒被同为艺术家的丈夫所掩盖，由此使得许多女艺术家被排除在聚光灯之外，而她们的男同行却把功劳独揽在身。这些才华横溢的女性为艺术做出了很多让男同行自愧不如的贡献。她们勇于挑战现状，直面创伤、不懈地促进艺术界的性别平等。女性艺术家在过去被忽视其中一个很重要的原因是：偏见。

　　布尔乔亚曾说过，如果自己是男性艺术家，作品的价格绝对不止现在这样。某次和一位女艺术家吃饭，桌上我提及女艺术家比起男艺术家压力小，不用考虑买房，养家这些压力，这位女艺术家赶忙打断了我的论断，并且说女艺术家的压力一点儿也不小，并向我细数了种种......那次谈话之后我便不再带着固有的看法去判断一个女性艺术家所面临的现实处境了，并时常提醒自己：偏见比无知离真理更远。

　　以下这十位女性艺术家无论是在艺术成就上或开先河，还是在创作中直面曾经的苦楚，又或用作品为女性权益发声，每一位都值得所有人为她们起立致敬。

　　直到古根海姆博物馆为Hilma af Klint的作品举办了大型展览“未来的绘画”后，她才最终被广泛认为是抽象艺术的重要先驱。Klint最早的抽象创作比康定斯基、马列维奇和蒙德里安都要更早。Klint是一位瑞典艺术家和神秘主义者，她的画作被认为是西方艺术史上最早的抽象作品之一。她属于一个名为“Five”的组织，该组织由一群受神学启发的女性组成，Klint的绘画经常充满象征性的意象，包括花朵、动物和各种几何形状，她相信这些形象代表了精神上的真理和原则。

　　Klint出生于斯德哥尔摩，就读于皇家美术学院。1906年，44岁的Klint画了她的第一个抽象系列，Klint的作品直到她去世后才被公开展出，在她的一生中，Klint一直试图理解她在工作中接触到的奥秘，她写了150多本笔记，记录了她的想法和研究。2018年她的回顾展在纽约古根海姆博物馆举行，这次展览使Klint的作品引起了更多人的注意。

　　Klint去世后把她所有的作品都留给了她的侄子，1970年她的画被作为礼物送给斯德哥尔摩现代博物馆时，但被拒绝了，随后她的侄子成立了一个以她名字命名的基金会并将数千幅素描和油画保存在那里。

　　Georgia OKeeffe以其独特而前卫的绘画风格而闻名，她在美国现代主义的发展中发挥了重要作用，并以她的大型花卉，风景和抽象绘画而著称。Georgia OKeeffe的艺术之旅跨越了20世纪的主要艺术运动，且在晚年持续着创作。她以放大、特写的方式描绘物体的能力而闻名，表现对象经常填满整个画布。

　　她的代表作《黑鸢尾》等，展现了她对细节细致入微的关注，以及她将普通题材转化为抽象和感性形式的能力。她的艺术也同时探索了新墨西哥州的广阔景观，她在那里生活了很多年。她的风景画，如《新墨西哥黑台地景观》则显示了她以独特的色彩和构图捕捉自然世界本质的能力。

　　Georgia OKeeffe是第一批创作纯抽象艺术作品的美国艺术家之一，与美国现实主义的主导运动形成鲜明对比。在1918年的《音乐，粉红和蓝色》中，Georgia OKeeffe用极端的构图抽象了一个花卉主题，创造了一个由彩色花瓣组成的拱门。康定斯基的理论在一定程度上启发了她探索“音乐可以被翻译成可视的内容”的想法，以实现不受其他外部参照的纯粹表达。

　　Georgia OKeeffe对艺术界产生了深远而持久的影响，她创作了大约200幅花卉作品，这些作品都是对花的放大式描绘，就像通过放大镜看到的那样，对物体的放大产生一种敬畏感和情感强度。她独特的视角和大胆的风格挑战了传统的表现形式和女性气质。她的影响可以在许多当代艺术家的作品中看到，朱迪芝加哥(Judy Chicago)是其中一位受到她启发的艺术家，另一位受她影响的是伊丽莎白佩顿(Elizabeth Peyton)，她的亲密肖像和色彩的使用与Georgia OKeeffe通过简化形式传达情感的能力遥相呼应。

　　Kahlo 是20世纪最具代表性和最著名的艺术家之一，她的作品以其原始的情感、大胆的色彩和对女性经历的坚定描绘而闻名。作品经常探索身份、性、痛苦和失去的主题，她的青年时期大部分时间都在医院内度过，在那段时间里，Kahlo开始把画画作为一种表达自己和应对痛苦的方式。

　　1929年，她与墨西哥著名画家迭戈里维拉结婚。里维拉比Kahlo大得多，在她的生活中，他是一个主导和控制的人物。里维拉在她的艺术发展中扮演了重要的角色，把Kahlo介绍给其他重要的艺术家和知识分子，并帮助她的作品展出。Kahlo的画作在20世纪30年代初开始引起人们的注意，她在墨西哥和美国举办了几次成功的展览。1938年，她受邀在纽约市著名的朱利安利维画廊展出她的作品，这次展览在评论界和商业上都取得了成功，并帮助其成为一位重要的国际艺术家。Kahlo的作品经常被描述为超现实主义，但她拒绝这个标签，她说自己画的是现实，而不是梦境。关于Kahlo一生创作了多少幅画说法不一，从不足150幅到约200幅不等。

　　在20世纪90年代末，Kahlo从墨西哥民间艺术中获得了更多灵感，被其“幻想、天真、对暴力和死亡的迷恋”的元素所吸引。泰特现代美术馆认为Kahlo是“20世纪最重要的艺术家之一”，而作为艺术家的名声是在她生命的后期发展起来的，并在她死后进一步得到加强。

　　Louise Bourgeois出生在巴黎，父母经营挂毯修复业务，她从小就在工作室里帮助父母，虽然她在索邦大学学习数学和几何，但她最终还是回到了艺术领域。在她漫长而多样的职业生涯中，她创作版画、纸本和大型雕塑。虽然她没有正式隶属于任何特定的艺术运动，但她与抽象表现主义者一起展出，并在她的作品中探索了孤独，嫉妒，愤怒，性和无意识等主题。

　　1982年，70岁的Bourgeois终于迎来了闪耀的时刻，当时现代艺术博物馆呈现了她的回顾展，Bourgeois以对女性气质、人类情感复杂性等主题的深刻探索而闻名，透过其作品让观众深入到潜意识的深处意识到人类的复杂性。

　　Bourgeois被认为是女权主义艺术的先驱人物，她用自己的作品挑战社会规范，探索女性的经历。她诚实无畏地审视人类心灵的方式激励了一代又一代追随她的艺术家。她将个人经历转化为普世主题的能力引起了许多当代艺术家的共鸣，Bourgeois被认为是20至21世纪最重要的艺术家之一，被誉为“美国女性身份艺术之母”。

　　Tracey Emin是当今最著名的女性艺术家之一，以自白和自传体的作品而闻名，这些作品探讨了性、身份和创伤等主题。Tracey Emin的作品往往是原始而感性的，她从不害怕面对有争议的话题，她的生活经历对其作品有很大的影响。1994年从伦敦皇家艺术学院毕业后，作为英国青年艺术家(YBAs)的一员在艺术界迅速声名鹊起。

　　她最著名的作品包括:1963-1995:一个蓝色的帐篷，上面贴着和Tracey Emin共眠过的所有人的名字，包括伴侣、亲属。《我的床》则是真实展示了自己的一张凌乱的床并陈列在泰特美术馆、《More Than Words》:一个霓虹灯文本雕塑，上面写着“吻我的鼻子”。她的作品因其诚实、亲密和脆弱而受到关注、她也因自我放纵和利用自己的经历而受到诸多的批评。

　　Tracey Emin的作品对当代艺术产生了重大影响，并激励了其他艺术家对自己的生活持更加开放和诚实的态度，她的作品还帮助边缘群体发出声音，并提高了社会对这些问题的认识。2008年她的首次大型回顾展在爱丁堡举行，吸引了4万多名参观者，打破了苏格兰国家美术馆在世艺术家展览的纪录。Tracey Emin是伦敦皇家艺术学院自1768年成立以来仅有的两位女教授之一。2013年2月，她被BBC《女性时间》评为英国100位最具影响力的女性之一。

　　Judy Chicago是美国第一个女权主义艺术项目的发起人，她用自己创作的大型装置来引发关于性别政治和女性在社会中的地位的讨论。她对女权主义艺术和整个艺术界都产生了重要的影响。在其整个生涯中，她一直大力倡导将女性的声音和经历纳入艺术史。Judy Chicago的艺术以其大胆和挑衅的性质为特点，经常挑战传统的性别角色和父权制度。她使用了一系列的媒介，包括陶瓷、针线、绘画和混合媒介来传达她的女权主义信息，她的艺术重塑了历史上女性的形象，并启发了许多女权主义艺术家，她对合作和包容的强调也为社区艺术项目和集体艺术创作实践铺平了道路。

　　Judy Chicago很多作品的灵感都来自于普通女性，这是20世纪70年代早期女权运动的焦点，此外，合作也是她装置作品的一个重要方面。《晚宴》、《出生计划》和《决议》都是她与数百名志愿者合作完成的。她特意声明她的助手是自己作品的合作者，这是其他很多艺术家不愿意强调的。

　　Marina Abramović 在过去50多年里一直在不断发展自己的艺术实践。她出生在前南斯拉夫的贝尔格莱德，早在70年代她便放弃了画布开始探索行为艺术，她选择将自己变成一种媒介，以便与观众更紧密地联系在一起。她的作品结合了表演、声音、录像、摄影和雕塑，她的创作经常使自己处于身体的危险或痛苦中，作品探索的主题包括信任、耐力、净化、疲惫和消失，并迫使观众看着她测试自己身体的极限的过程。

　　1976年，Marina Abramović 开始与德国艺术家乌雷合作，两人一直保持着艺术创作的伙伴关系，直到1988年她发现他的不忠。2010年她在现代艺术博物馆上演了一场名为《艺术家在当下》(the Artist Is Present)的作品。在两个半月的时间里，她坐在一张桌子的一端，邀请观众坐在她对面，进行短暂而无声地接触，当乌雷在桌子的另一边坐下时，她流下了眼泪。

　　在她的职业生涯中，Abramović 一直在探索人类身体和心灵的极限，挑战传统的艺术和作为欣赏的观念。她的作品经常探索时间、存在以及人类身体和意识的极限等主题。Abramović称自己“既不像塞尔维亚人，也不像黑山人”，而是前南斯拉夫人。当人们问我来自哪里时，我总是说我来自一个已经不存在的国家。

　　Cindy Sherman是“图像一代”(Pictures Generation)的重要艺术家，“图像一代”是70年代初一群以分析媒体文化而闻名的美国艺术家。Sherman创作了批判性别和身份的一系列肖像作品，她将自己塑造成复杂多元的角色。通过她的作品，她挑战了女性固有身份的概念，《无名电影剧照》(1977- 1980)，是她最知名的创作。Sherman的艺术围绕性别、身份建构这些议题展开，她对传统女性观念的挑战和对男性目光的质疑激发了无数艺术家对社会规范的审视。

　　1990年Sherman向《》解释说:“我觉得我在工作中是匿名的，当我看这些照片时，我从来没有看到我自己，它们不是自画像，有时我会消失。”她将自己的创作过程描述为直觉，她会对光线、情绪、地点和服装等环境因素做出反应，直到找到自己想要的东西。谈到自己创作的过程，她说:“我想成为一个不同的人，我看着相机旁边的镜子，感觉恍惚，通过凝视它我试着通过镜头变成那个角色我看到的是另一个人，这就是我想要的。”Sherman的《无名电影剧照#21》被《时代》杂志列为100张最具影响力的照片之一。

　　Marlene Dumas以其令人回味和充满情感的画作而闻名，她的作品探讨了身份、性、种族和人类状况等主题。她的艺术经常挑战社会规范，并以此推动绘画题材的边界。Marlene Dumas的绘画有着独特的风格，其特点是松散的笔触，富有表现力的色彩，以及捕捉对象心理深度的能力，她经常以一种令人难忘和自省的方式描绘真实和想象中的形象。Marlene Dumas对当代艺术产生了重要的影响，特别是在具象绘画领域，她的创作方式影响了许多探索人类情感和身份复杂性的艺术家。

　　在40多年的艺术探索中，Marlene Dumas表现了各种各样的主题:死者的肖像，当代人的肖像，站立的裸体，群体，新生儿和婴儿，哭泣的孕妇。Marlene Dumas出生在南非种族隔离时期，后移民到荷兰学习，并继续在那里生活和工作。Marlene Dumas希望她的作品始终都立足于现实，她曾代表荷兰参加了威尼斯双年展，她也是一位对很多中国当代艺术家产生重要影响的艺术家。

　　Yoko Ono的艺术生涯无论是行为表演还是视觉艺术，都像一面双向镜子，将观众的反应投射到自己身上，揭示出观众内心深处的一些真相。她参与了纽约的激浪派艺术风潮，其中既与其他艺术家合作，也独立创作作品，比如1964年著名的《切片》(Cut Piece)，Yoko Ono对当代艺术和流行文化都产生了深远的影响，其艺术之旅跨越了几十年，在此期间她不断打破界限，挑战了传统，并倡导和平与社会变革。

　　她在作品中广泛使用各种媒介，如装置，电影，音乐，诗歌和互动表演，并借此挑战社会规范。可以说她对政治和社会问题的大胆探索激励了一代又一代的艺术家，特别是在女权主义和行为艺术运动中。列侬曾形容她是“世界上最著名的不为人知的艺术家:每个人都知道她的名字，但没有人知道她做了什么”。

　　2005年她获得了纽约日本协会颁发的终身成就奖，刚刚结束的2月，泰特现代美术馆开幕了她在英国迄今规模最大的回顾展，以纪念她具有开创性和影响力的艺术。